Sotofett: Arte y discurso
Entrevistamos a este productor noruego defensor de la electrónica menos acomodaticia
“Siempre he considerado que el electro come un poco a parte de la mayoría de estilos o escenas artísticas. En mi colección de discos, ya desde muy al principio, empezaron a entrar discos que, muchas veces no pinchaba, pero sí que de vez en cuando los escuchaba o acudía a ellos en busca de inspiración o referencias. Se hace muy poco electro de mala calidad, la gente de la escena no es mucha y tratan su producción con mucho respeto … casi que con maneras religiosas.
Y una cosa que me pasa cada cierto tiempo es que aparece por mi vida cuando menos me lo espero un tema de electro que me remueve por dentro y me marca para siempre.
Este es uno de ellos.
Track cojonudo con los elementos justos y necesarios, junto a una progresión de acordes bella y perfecta ….
.. y supongo que algo más.
Ojo como van la 808, la 101 y la 303 …. parecen tocadas en modo Capilla Sixtina del Beat”. James Custodio en su Facebook.
He aprovechado unas líneas de uno de los últimos posts del Facebook del productor James Custodio, como homenaje al electro por el que tanto ha apostado nuestro protagonista de esta semana.
Nos referimos al noruego Sotofett.
El otro día me escribió Mark Dix para preguntarme si estaba interesado en entrevistar al nórdico con su nueva referencia en Tresor como excusa.
Yo a Sotofett lo conocí una noche en Madrid. Llegaba a la capital del reino como invitado a aquellas iconoclastas fiestas llamadas Post Club.
Aquella velada, Sotofett me dio calabazas, no quiso que le entrevistara aquella noche de noviembre de 2014.
Pero la vida siempre da segundas oportunidades.
Su nuevo material es un EP firmado a medias con el proyecto LNS, alias de la canadiense Laura Sparrow, “The Reformer EP”.
El noruego afincado en Berrlín se puso manos a la obra con mis preguntas días antes de emprender gira por Australia.
La verdad es que es uno de los mejores formularios que he recibido de vuelta en mis más de 20 años entrevistando a productores y artistas.
Una de las cosas que más por saco me daban de mi trabajo como periodista musical era justamente traducir respuestas estandarizadas, con el único objetivo, por parte del autodenominado artista, de promocionar un trabajo al precio que fuera.
Un artista se cimenta ya desde el discurso.
Y Sotofett destila ambas cosas.
Arte y discurso.
En la nota de prensa de Tresor leí que tu álbum de debut como LNS, Sputters, publicado en 2021, marcaba el fin de una era. Entonces, ¿qué era crees que comienza con este nuevo trabajo que presentáis estos días?
Para no ser demasiado abstracto, dividiré algunos de los períodos recientes de la música dance en diferentes eras.
A finales de los 90s, el house empezó a “morir”. Algo normal, por otro lado. Le ocurre a todos los estilos que han sido populares. El interés de la gente se desvanece en busca de algo nuevo y fresco. Con el tiempo, el rock (europeo), el “hip-hop ostentoso” y el dancehall fueron ganando cada vez más terreno en la radio.
La palabra clave aquí es "soul". La música house era conmovedora, al menos en muchos aspectos y ramas secundarias del house. Esto por lo general, se perdió en la progresión de la música durante aquellos finales de los 90 (piense en etiquetas ultra corporativas, en la tecnología dominante y la normalización de la cultura gracias a internet).
Con lo que los primeros años del 2000 fueron muy tecnológicos. Vivíamos en una época que había sido anticipada y pensada durante muchas décadas antes: lo que llegaba entonces era un nuevo milenio. No disponíamos de aquellos coches voladores idealizados algunos años antes, pero sí se produjo la introducción absoluta de internet en nuestros hogares. Para hacer música, los productores tenían acceso a programas informáticos avanzados y, para los DJ, el CDJ propició un mayor nivel de acceso a la música. En resumen, en los 2000 se concretó la “muerte” de los conocidos como medios analógicos, discos de vinilo, reproductores de cintas; pero también mucho hardware (digital) como los MPC de Akai se convirtieron en una realidad cercana. En 2005 compré mi Roland TR-909 por 670€, precio que incluía el envío desde EEUU a Noruega, y una tarjeta de memoria valorada en unos 150€. Todo esto se debió a que la mayoría de la gente en la escena musical pensó que una máquina con "solo" 11 sonidos debía ser considerada como un equipo desfasado. No todo el mundo reconoce un clásico a menos que sea popular.
Musicalmente tuvimos el desarrollo del tech-house y el minimal techno en la mayoría de discotecas. Ambos estilos se gestaron bastante antes de principios de la década de 2000 (e inicialmente ofrecían buenas ideas), pero con la nueva tecnología estos estilos se volvieron más clínicos. Ruido blanco fuertemente controlado por síntesis de sonido muy precisa. Predominaba una ultra compresión funcional del sonido, más importante incluso que el posicionamiento del groove . Este tipo de música de baile, sin duda, sonaba extremadamente contundente y precisa en los sistemas de sonido, pero estaba clínicamente exenta de alma y ritmo. En el aspecto técnico se podría decir que eran grandes sonidos, pero transmitían muy poca “alegría”.
Siempre he dicho que si tomas las reglas y técnicas de producción del tech-house y lo conviertes en una dirección política, entonces obtienes fascismo. Todo lo que suena "apagado" o "raro", posicionado humanamente, es decir, con imperfecciones, o sale del espectro sónico de tech-house fue prohibido por un nuevo "artista", por lo general autocensurado. No estaría mal recordar que el trance también incluye exactamente las mismas calidades y reglas excluyentes como las del tech-house. Durante ese periodo, apenas se escuchaba en clubs a gente como Theo Parrish o Moodymann. Ya desde sus inicios, Omar-S hizo oposición directa a la era del tech-house. Apostaría mucho dinero a que ninguno de los clubes europeos de música dance pincharon en este período, al que me estoy refiriendo, algo de dub o funk real para grandes audiencias. El P-Funk, o incluso el funk más convencional, no entraba dentro del espectro de referencia de los clubbers en general. Seguro que muchos me pillan por donde voy.
Hay grandes elementos o técnicas en todos los estilos de música, pero como movimiento, diría “a la mierda el tech-house y el trance” todos los días de mi vida.
Obviamente, siempre he estado en oposición directa a los estilos rígidos de música descritos arriba, me refiero al trance, al tech-house y al minimal techno más formulero. Mi catálogo musical se ha manifestado, desde el primer día, en línea con un enfoque artístico más libre. Durante décadas lancé temas sin pulir, con ritmo, alucinantes y alucinados, intrincadamente producidos y psicodélicos, así como improvisados. Incluso las pistas de minimal que produje tenían signos de vida de las sesiones de grabación, destilaban energía de la toma real en vivo. De mi círculo de amigos: pienso en sellos afines como Acido Records, General Electro, Laton, Sued y Fit Sound. Ejemplos claros de ese sueño que teníamos de bailar lo que entendemos que es música, en lugar de esas producciones perfeccionistas que se lanzaron en aquellos años. En todos esos sellos había calidez, pasión por el ritmo y el sonido, por el estilo y el alma. Todo en contraste con la corrección musical.
Un montón de energía puesta en una gran cantidad de lanzamientos de discos comprometidos con la evolución de la música. Pero poco a poco hubo una sensación de un nuevo cambio en el sonido, requeríamos de un nuevo enfoque. Mientras pinchaba mis viejos discos favoritos, era imposible ignorar que tenían más presencia y franqueza que la mayoría de nuestras propias producciones, y también un bajo mucho más controlado, punto clave en nuestros temas clásicos favoritos. Esto puede parecer muy obvio, pero entre nosotros también había una actitud de cambiar el sonido de la escena con nuestros propios discos, y como realmente lo logramos en un grado sorprendentemente alto, ahora es el momento para cambiar de nuevo.
En los clubes solo pincho discos de vinilo, a menos que sea mi propio material inédito, por lo que puedo comprara mi música con la más antigua. Y a medida que crecía la escena de música dance más "lo-fi", y muchos DJs de discotecas adquirían tolerancia en general por los sonidos "raros" y "cálidos", yo sentía cada vez más como estaba creciendo una especie de conformidad acrítica en la comunidad de Djs. El día en que la gente acepte completamente tu sonido, es crucial seguir desarrollándolo. Si el arte en cualquier forma puede contribuir a algo en la sociedad es a la aceptación de pensar un poco diferente, tanto como variaciones se pueden dar de un mismo tema. Por eso es importante tener varias versiones de una pista. O por qué entiendo que la pintura monocromática también puede ser funky.
En resumen, la mayoría de las pistas nuevas que produzco y se lanzarán después del álbum "Sputters" con LNS tienen una salida sónica más clara, equilibrada y directa. Comparado con muchos de mis temas en “Sputters”, las pistas son más cortas y directas, pero goza aún de un sonido que es muy "underground y honesto" como el propio Simon Davey, ingeniero de masterización de The Exchange en Londres, dijo sobre mis mezclas.
Centrándome en los elementos principales (como riffs, melodías, ritmos sólidos o pausas), me gustaría acercarme a la claridad y la presencia en mi sonido, al mismo tiempo que mantengo mis ideas bien fijadas en arreglos y sonidos alternativos. Mi círculo cercano ha lanzado probablemente 250 publicaciones en los últimos 20 años, y voy retrasado en unos 150 o más, por lo que es importante darse cuenta de que las ideas que tenemos ya estan ahí fuera. La tarea de un verdadero artista es desarrollar y explorar, y los artistas que únicamente entretienen lo que hacen es reproducir lo que ya está disponible y aceptado: la diferencia a mi me parece crucial.
Al recibir las copias de "The Reformer EP" que LNS y yo que lanzamos a través de Tresor Records, me dije que este EP es algo con lo que estoy 100% satisfecho en lo que respecta a la franqueza del sonido. Es muy apto para discotecas, ruidoso, cristalino, está presente y aún no suena genérico como lamentablemente ocurre con la mayoría de discos nuevos que salen por ahí. Ninguna de las pistas está grabada con las mismas técnicas, lo que prueba que las ideas que tengo se pueden traducir a varias grabaciones y enfoques. Pero no creas que se trata de un sonido de alta fidelidad, se trata de un sonido fuerte y pesado.
¡El sonido de un puñetazo! Los discos de vinilo deben sonar MUY fuertes, o de lo contrario se convierten en una simple pérdida de material y dinero. No hay necesidad de un volumen bajo en los discos de vinilo, ni siquiera en los discos de jazz. Un corte fuerte en un disco generará cierta saturación, pero eso tiene que estar integrado en el estilo, tal como se trabajó en la década de los 50s, 60s, 70s, 80s y 90s. Me refiero al funk, al disco, al jazz, al reggae, al dub, al techno, al hip-hop, al jungle y al house real.
Preséntanos a Laura Sparrow. ¿Cómo compartes la tarea de producción con LNS?¿Cada uno está especializado en un aspecto de la producción?
LNS y yo trabajamos juntos desde 2016. Una muy buena presentación de cómo nos desenvolvemos en el estudio se puede encontrar en una entrevista para Inn8, porque entra en el meollo exacto de lo que preguntas. La puedes consultar desde aquí.
¿Qué estás escuchando actualmente? Como comentabas antes tienes una producción muy particular y siempre me he preguntado sobre tus referencias musicales fuera del electro…
Mientras escribía esto, escuchaba "Got To Find A Way" de Curtis Mayfield y a Prince Charles & The Big City Band en “Gang War”. Tanto el funk como el P-funk me llegaron de manera natural a través del hip-hop, así como el disco, fusion, afro-funk, jazz y también el electro. Así que, a los 11 o 12 años ya escuchaba "Clear" de Cybotron, todas las cosas de Kraftwerk (excepto lo más krautrock en las que me aventuré mucho más tarde), o a Newcleus y toda la electrónica clásica que se pinchaba en la cultura hip-hop más temprana. Mi primer lanzamiento tiene elementos de electro, pero el segundo disco que lancé, una colaboración con mi hermano, tiene muchos más temas de electro. Es del 2003 y se llama “Kompjosa”, ¡y tengo que decir que algunas de esas pistas siguen siendo increíblemente buenas!
Si vas al tuétano de las cosas, comprobarás que no hay techno sin electro, y no hay hip-hop sin electro tampoco. Grandes discográficas underground como F-Com y, obviamente, International Deejay Gigolo Records, contaron con electro en su catálogo. F-Com podía tener un puñado de cortes electro de Jori Hulkkonen, The Youngsters o incluso algún remix de Aux 88. Mientras que Gigolo tenía old school house de Jeff Mills, pero también abrió paso a los inicios de proyectos polirrítmicos como el del inclasificable Chris Korda o house despojado de artificios de un productor como Elbee Bad. Al final todo trata de la mezcla, ¿no es así?
Lo mismo ocurre con los sellos underground de menor tirón comercial como Norwegian Tellé Records, que se hicieron "grandes" con material de disco y house de finales de los 90, y también lanzaron algo del electro más sólido de Skatebård e Imatran Voima especialmente. Los “sellos hermanos” finlandeses Keys of Life y Puu también son elementales cuando se trata de los mejores lanzamientos de música house posteriores al 2000, y al igual que Tellé, también sacaron algunas de las mejores pistas de electro. También hay trazos de electro excepcionalmente bueno en Sex Tags Mania, un sello del que estoy muy orgulloso de haber participado, como ese "Emotional Bits" de Skatebård, ¡un verdadero martillo en la pista! Y un viejo amigo como Don Papa siempre tuvo electro boogie en sus producciones.
Así que el electro ha estado conmigo todo el tiempo, pero comencé a pincharlo más y también a producirlo de manera más consistente tan pronto como la música house se estaba reproduciendo en exceso en pequeños clubs. Bueno, si, la música house es fundamental y siempre mola, pero mucha gente pinchaba música house porque era "lo correcto que había que pinchar". Supongo que tuvo un renacimiento nuevamente alrededor de 2013 a 2015 más o menos, entonces, en mi opinión, el enfoque se volvió un poco deshonesto. La gente puede hacer y pinchar lo que quiera, pero no me interesa reunirme con la gente sólo por una búsqueda común de tendencias.
Me muevo apasionadamente por estilos y géneros como DJ y productor, y no me duelen prendas a la hora de sacar un álbum de afro/dub/jazz y varios discos de electro el mismo año. Porque, a ver, ¿quién quiere oler una única flor durante toda su vida?
En relación a esto que dices. Has trabajado con mucha gente (aparentemente algunos artistas bastante diferentes de tu sonido, como Jimi Tenor a Bjørn Torske). ¿Te lo tomas como un reto eso de compartir producción con otra persona?
Todos los productores que tienen un sonido o un estilo propio son interesantes. Así que, cuanto más diferente es el sonido o el estilo que tienen el uno del otro, mejor para mí. Ciertamente no quiero a mi novia porque piense exactamente como yo, entonces, ¿por qué querría que alguien con quien colaboro tenga el mismo sonido o estilo que el mío?
Escuché la música de Bjørn desde muy temprana edad y su música fue muy importante para los de mi entorno. Es justo decir que aprendí mucho de él, de él como persona y artista, por supuesto, pero más importante de escuchar su música innumerables veces. Un amigo siempre dice eso de que Bjørn debe tener una rica vida interior, es una buena forma de verlo, al menos es obvio que la producción es una parte esencial de su vida. Casi exactamente lo mismo puede decirse de Jimi Tenor. Compré su álbum "Intervision" cuando era niño, principalmente porque tenía algunos temas que me sonaban a electro. Pero de repente, con Jimi también tenía algo de jazz cósmico en mi colección: variedad es el maravilloso regalo que los verdaderos artistas pueden ofrecer a un oyente curioso.
Lo más esencial aquí no es el “sonido” de cada artista o colaborador, son las ganas, voluntad y pasión por hacer música. Tanto Bjørn como Jimi pueden y harán música con lo que tengan a mano en cada momento. Mi hermano y yo tenemos muchos menos antecedentes ingeniosos que muchos artistas, pero contamos con un enfoque de "usa lo que tienes" integrado en nuestro ADN. Si solo tienes un sintetizador o tocadiscos y un MiniDisc o una grabadora de cassette, entonces prueba a grabar algo con eso. Si tienes ganas de hacer música, solo necesitas lo mínimo. Jimi puede grabar y actuar con una orquesta o una gran banda, pero también graba de la manera más simple, con lo que esté disponible en ese momento. Bjørn siempre ha tomado los fragmentos más cortos de sonido y ha hecho ritmos con ellos, con la única ayuda de un software de edición o un sampler. Probablemente te sorprendería mucho el escaso equipo que usamos para hacer música la mayoría de las veces que nos juntamos a grabar.
También con Gilb'R de Versatile Records disfruto de este mismo enfoque espontáneo. No estoy seguro de qué tan rápido nos hicimos amigos cuando nos conocimos, pero diría que fue una cuestión de pocos minutos. Se muestra muy franco cuando hacemos música, simplemente creemos en nuestro sentimientos. El socio de Gilb'R, I:Cube, cuenta con el mismo enfoque al trabajar el sonido y la música, como también otros artistas como Franz Pomassl, Andres Lõo, Madteo, Vera Dvale, Snorre Magnar Solberg y muchos de mis mejores colaboradores. Sólo necesitamos la posibilidad del estilo.
El verdadero desafío, por otro lado, surge cuando las personas son dogmáticas o, lo que es peor, puristas. Todos tenemos que respetar a las personas que dominan un oficio que viene de “conservar” tradiciones y reglas. Dicho esto, un oficio no debe ser el gobernante de tu vida y arte. Debe ser una herramienta para crear y lograr cosas, y no eres un verdadero maestro hasta que no puedas esquivar de alguna manera ese oficio. El mejor guitarrista del mundo debería poder comprar un instrumento barato o tirar de una guitarra desafinada en un pub e impulsivamente tocar excepcionalmente bien para quienquiera que esté allí delante. De lo contrario, ese guitarrista es, a mi entender, simplemente un pretencioso de corazón.
¿Qué es lo más alucinante que has escuchado recientemente (además de tu último trabajo, obviamente)?
Siempre hay muchas cosas emocionantes por escuchar, pero en realidad nada realmente alucinante. Estaba caminando por la calle en Berlín hace unas semanas y pisé una tapa de alcantarilla. Me detuve, cerré los ojos y durante un breve momento me sentí como en plena naturaleza. Lo que escuchaba era el sonido del agua fluyendo debajo de mí. Eso sí que fue especial.
El mix de La semanada
El protagonista de nuestra newsletter de esta semana me pasa este mix que grabó junto a LNS para la promoción de su nuevo trabajo en Tresor y en el que ensartan 33 tracks en sólo55 minutos.
Tracklist
01. Impostor Orchestra - Abyss of A Glutton
02. Green Velvet - Genedefekt
03. Kings of Tomorrow - I Want You (For Myself) K.O.T. Ruff Mix
04. Silent Phase - Fire (Re-Wired Mix)
05. Mr. De' - Woodward Ave.
+ Hashim - Al Naafiysh (The Soul)
06. Baby Pop - Day & Night
+ Basement Jaxx - Raw Shit
07. Meat Beat Manifesto - Radio Babylon
08. Disciples - Forth Cut
09. D.I.E. - Detroit Party Train
10. Big Freek - Everyday (Remix)
11. Peekay - Ain't Gonna
12. A Scorpion's Dream - Aqua Dance
13. Dan Curtin - Worlds of Mystery
14. Martin Matiske - Stars & Galaxy Part II
15. DJ Funk - We Gotta Love
16. The Bucketheads - The Bomb! These Sounds Fall Into My Mind (Armand Van Helden Re-Edit)
17. Octagon Man - Intro
18. Ride Committee feat. Roxy - Tu Quieres Cucharas?
19. Frankie Bones - Inner Freak Style
20. Hieroglyphic Being - Black Hand Sound Six
21. "Pretty" Tony - Jam The Box
22. Sterac - Asphyx
23. Unknown Artist - Unknown Track
+ Josh Wink - Are You There?
24. LNS & DJ Sotofett - Reform
+ Scott Grooves feat. Parliament/Funkadelic - Mothership Reconnection (Daft Punk Remix)
25. Craig Diamonds - Jungle Love
26. Photodementia - Gyrectomy
27. Richard Lamp - A Life In Acid Harmony (DJ Sotofett's Acid-Shake Remix)
28. Two Lone Swordsmen - Sex Beat (Remix)
29. LNS & DJ Sotofett - 909 The Controller